Portafolio
Escultórico

La pieza representa varias facetas: por un lado, el torso sugiere simultáneamente la figura de un hombre; por otro, el dorso evoca la espalda de una madre con un niño a cuestas. El conjunto expresa un pensamiento profundo y entrañable, que inspira el nombre de la escultura.

Esta obra representa a dos mujeres una frente a la otra de rodillas, en otro ángulo se pueden apreciar dos manos elevadas al cielo en actitud de súplica por sus muertos, estos están representados por cráneos esculpidos en la base y la cual también se observan unas mariposas ya que según la filosofía náhuatl las almas de los caídos en combate se transformaban en mariposas. Entre las manos tiene tallado y abrillantado unos labios vaginales y también se puede observar un útero por lo que la lectura sería que las almas de sus muertos se renueven y florezcan en otra dimensión.

Esta obra es un homenaje a la mujer que lucha, que logra salir de su postración y de sometimiento o de su zona de confort. Como podrán notar es una mujer que nace, como la mariposa que se esfuerza para salir del capullo y llega a convertirse en un ser maravilloso y radiante.

Esta obra se inspira en el vocablo ollin, palabra náhuatl la cual significa movimiento y según los hablantes del idioma esta palabra se originó en el acto sexual es por esto que se observa una vagina y un pene estilizado labrado en recinto negro, piedra volcánica de las faldas del volcán Itztacihuatl.

Alas para volar representa el deseo de superación del ser humano y la única vía que tenemos para lograrlo, el aprendizaje a través de los libros. Se ven unos libros abiertos los cuales van en ascenso, estos libros cambian de posición a medida que se elevan para lograr un efecto de movimiento como las alas de un ave, en la parte más alta aparece un ave emprendiendo el vuelo.

Esta obra fue elaborada en una placa de recinto negro inspirada en una bailarina de ballet abstrayendo el paso denominado arabesque en un estilo geométrico, la propuesta de perforar la piedra fue retomado del pintor veracruzano Gregorio Gutiérrez apodado “Gregoyos” por su estilo de elaborar sus cuadros perforando sus cuadros. Con esta técnica podemos ver la misma obra por ambas lados y lograr una pieza para ser exhibida en un área especial en donde pueda ser observada por ambas caras.

Huitzisihuatl o mujer colibrí es una obra que toma como fuente de inspiración a un colibrí; su grácil forma y belleza para mí son comparadas a las de la mujer: inquieta, ágil, dinámica. Esta pieza fue tallada por ambas caras, no tiene delante o posterior por lo que se recomienda ser exhibida en un sitio que permita ser vista por ambas caras y así lograr captar la belleza de la pieza en todo su esplendor.

Esta pieza es una representación de una serpiente de cascabel, en un estilo modernista, la cual se encuentra erguida, como mirando al infinito, dispuesta al ataque. La técnica de labrado es talla directa utilizando herramienta electromecánica y brillado con lijas de forma manual.

Pieza de estilo geométrico que representa a una pareja en un abrazo apasionado: el hombre se sitúa en la parte inferior mientras rodea a su compañera, y ella lo envuelve con las piernas. En la composición también aparece el metlapil, instrumento indispensable junto con el metate en la molienda tradicional de la gastronomía mexicana. Con el fin de enriquecer su valor estético, se aplicaron acabados diferenciados: mate para la figura masculina y pulido abrillantado para la figura femenina, acentuando así el contraste entre ambos.

Pieza con temas precuauhtémicos inspirada en la filosofía náhuatl, específicamente en la deidad Coatlicue. Obsérvense las cabezas y la falda de serpientes, tratadas con un estilo modernista, así como las serpientes y cráneos que adornan la tapa de la pieza, abrillantados manualmente para resaltar su acabado. En el interior de la tapa se representa a Tlaltecuhtli, el devorador de "inmundicias", igualmente abrillantados con lijas de manera manual. La ejecución de la pieza se logró con herramienta electromecánica, cincel y martillo mediante la técnica de talla directa.

Esta pieza es parte de la colección “Flamas” y su temática se refiere al amor maternal; las formas sugieren protección hacia un embrión que se encuentra cómodamente colocado en un nido que bien puede ser el vientre materno.

Madre es un rostro femenino que emerge de la piedra sin desbastar, sereno y a la vez marcado por una lágrima que desciende por la mejilla. El contraste es deliberado: el rostro y la cabellera están trabajados hasta un acabado terso, mientras el cuerpo y el entorno permanecen en talla rústica, como si la figura naciera de la roca misma. Esa tensión entre lo pulido y lo bruto habla de la madre que sostiene y protege aun cuando la vida la ha erosionado.

Esta obra forma parte de la colección “Flamas”; el tema en este caso es un fuego que nace de un elemento orgánico aparentemente extinto y se transforma en una ave, como sería el caso del ave fénix, que nace de las cenizas para volar hacia nuevos horizontes y hacia nuevas conquistas.

Vorágine es una pieza que sugiere un remolino que se forma en algunos sitios del mar, de los ríos o de los lagos. En la analogía del hombre, es una pasión desenfrenada o la mezcla de pasiones muy intensas en las cuales nos vemos envueltos con frecuencia; es ese remolino que nos atrapa y del que no podemos escapar.

Pieza la cual fue concebida en un momento de mucha tensión y estrés, por lo que se concibieron formas orgánicas sin una forma concreta y a las que se unieron para formar una figura surrealista que sugiere una flor y la cual puede ser colocada en diversas posiciones sin que ello demerite su valor estético.

Obra inspirada en la lava durante una erupción volcánica: al descender por las laderas de la montaña, consume la materia orgánica del bosque hasta desencadenar una llamarada. Este momento queda perpetuado en la escultura, donde cada elemento cobra un significado preciso: el recinto evoca el avance de la lava en movimiento, el óvalo representa la lava fría y solidificada, mientras que la llama se materializa a través del ónix.

Obra de estilo geométrico. El Tzompantli es una pieza inspirada en la cultura náhuatl; su nombre significa literalmente altar de cráneos. De acuerdo con los registros históricos y los hallazgos arqueológicos del Templo Mayor de la Ciudad de México, los cráneos de los guerreros caídos en combate eran depositados en esta estructura. En la pieza se observan cráneos y mariposas, pues la cosmovisión náhuatl sostenía que el alma de los guerreros se transformaba en mariposas al morir. Las mariposas cumplen además una función estética deliberada: romper el ritmo y la simetría de la composición para enriquecer su valor visual. En su elaboración se utilizaron recinto negro y tezontle, materiales cuyos colores están asociados a la sabiduría dentro de la filosofía náhuatl.

Esta obra representa a un hombre erguido, altivo. En sus pectorales se observa a una pareja frente a frente; en su abdomen están representados unos crótalos y su pene sería la cabeza de una serpiente. En el dorso de la espalda está tallada una mariposa, en relación con la filosofía náhuatl que habla de cómo las almas de los guerreros, al morir, se convierten en mariposas.